共聲，譜出專屬臺灣的聲音

節目名稱：《遶境共聲》( The Pilgrimage)

場次：2017.10.01

地點：台北　實驗劇場

　　今年「新點子樂展」的最後一場演出《遶境共聲》，採用臺灣傳統音樂、時空環境為創編素材、譜寫新作品，更以音樂劇場的形式展演，加上新媒體裝置、燈光與空間設計，增加了音樂的「可看性」，觀眾除了在明滅之間豎起耳朵，辨別並尋找聲音來源，亦可見場域中燈光顏色變換、機械擺動也是作品一部分。該檔製作跨音樂、戲劇、劇場設計、詩詞文學等多項領域，然最大重點仍為音樂本體，因此本評著重於音樂的規劃而論。

聲音在劇場裡卻更精緻細膩

　　在劇場裡容易將焦點聚於人身上，然而，人僅為聲音的載體，真正的主角還是聲音，策展單位在這點規劃的定位十分清楚，不因音樂到了劇場而失焦至演出者的一舉一動或走位。以耳朵找主角，如此在劇場聽見主角的方式較為少見，卻也更突顯策展人的巧思和演出者的技巧。

　　《遶境共聲》以聲樂、擊樂為主要的音樂表現方式，利用人聲的彈性、多變，唱唸出語言的韻律，也模仿狀聲詞，如作品《鑼鼓肖像》，現場雖有技藝精湛的擊樂演奏家，卻反以人聲模擬鑼、鈸或鼓的聲響，發出「起」、「抬」、「咚」等敲擊聲，平衡整體音量也貼近作曲者希望呈現的音高；緊接於後的《漂流的零Ⅰ》，捨棄播放田野錄音，更是由歌者發出令人讚嘆的自然現象與蟲鳴鳥叫。高亢的鳥嘯、低沉的蛙鳴，模仿地唯妙唯肖，難以想像聽來自然卻是經過作曲安排，也不得不佩服聲樂家不但有迷人嗓音，更有這般特異功能，令人驚嘆人聲的音色處理如此多變。

　　在劇場中的演奏、唱是該擔心音響效果會不如在音樂廳，但經過電子擴音調和，反而別有一番聲音的既視感；也利用實驗劇場擺設的彈性，將擊樂與聲音機械裝置設於觀眾前方階梯狀的舞台（原劇場之觀眾座椅區）、平台鋼琴位於觀眾席後方，聲樂家的演唱也不侷限於觀眾前方的舞台，跟著劇情換幕時而在側邊、時而從後方進場，甚或穿梭於觀眾之間，營造環繞音響的效果。

代表臺灣也啟發省思的現代樂創作

　　一聲差半音就完全的音程，在第一幕就以不安定的開端預告戰事，同一音程也在第二幕、第四幕出現，作為情感轉折的暗號。可以聽出，在和聲、樂曲編排上，整齣節目的表現形式仍是相當以現代音樂的手法為主，唯取材來自臺灣的聲音，除前段提及的自然聲響，還可聽見傳統音樂的運用，如排灣古謠的合唱、道教儀式和南管工尺吟唱作為銜接串場，最後一幕的作品《漂流的零Ⅳ》又可聽見拆解後再重組的客、臺語流行歌句子，讓不諳現代樂的觀眾也能在這些作品中聽到蛛絲馬跡的熟悉感。

　　整場曲目總共由七位作曲家分作，經過音樂與劇場兩位導演的編排合為一體。雖然以「劇」的角度欣賞有些切割、不連貫，卻也讓人思索，一塊一塊的音樂作品，是否也欲呈現臺灣社會的多元、不必然融合的現狀？另一值得思考的點是，作品以作曲家中心出發，取材臺灣傳統音樂，作為現代作品，是相當傑出的，然而就傳統面而言，取用的內容似乎略為片面，畢竟在傳統音樂中語韻形成的旋律、聲腔運用、儀式音樂的作用等是可更多加琢磨、善用的，若作曲家對本土音樂的精髓深入研究或取樣，必有更精采的作品，也可以表達更深層的內涵。

　　欣賞新點子樂展的最後一檔製作、最後一場次的演出，在觀眾席上特別感受到演出者使盡渾身解數做到最好；以亞洲為題並以臺灣的聲音為中心，讓臺灣人創作、演唱臺灣的作品，是十分值得鼓勵的。