記下初次邂逅中亞音樂與其創作之感

節目名稱：來自中亞的新語 (In the Eyes of the Nomads)

時間：2017.9.24

地點：台北　國家演奏廳

　　《來自中亞的新語》是兩廳院2017「新點子樂展」的其中一場，邀請荷蘭「輿圖跨民族樂團(Atlas Ensemble)」和臺灣中西樂器獨奏家共同演出，帶來6首中亞民族樂曲，和3首為中亞、中西樂器所作的首演曲。[註1]

關於傳統曲目

　　因著地域與語言的隔閡，台下對這場演出是相當好奇與陌生的，好在經過主持人的樂曲解說後，將神秘的面紗揭開一半，讓聽眾可以清楚知道接下來會有幾首曲子、聽到什麼類型的音樂，否則單憑一句「中亞民族音樂選曲」實難以摸索。

　　演奏家們一坐下，似乎不用調整情緒也不待觀眾回神就開始演奏，這對習慣音樂會模式的觀眾來說或許有些突兀，但在傳統音樂的表演（至少在臺灣傳統音樂）這樣其實很正常，看來此現象並不分國界。

　　中亞的傳統音樂演奏似乎更為注重演奏時的神情，除了演奏者自己，還有彼此的互動。可以看見塔爾琴演奏家Elchin Nagijev專注演奏時面部漲紅，完全陶醉於自己的世界，觀眾跟著聽來像是木卡姆的樂曲彷若到了中亞一帶；兩件擦弦樂器合作像是伊斯蘭式吟唱的組合中，演奏土耳其提琴的Neva Özgen會和演奏卡曼莎琴的Elshan Mansurov眉來眼去。

　　被抓來當伴奏的大提琴演奏著替代duduk dham的單音長鳴，以弦樂取代管樂的音色聽來並不違和，只見大提琴演奏者一開始很享受亞美尼亞單簧管的旋律，演奏一陣子後臉上表情卻又似乎納悶何時要結束？演奏者的面前皆無擺放譜架，當彼此都對上眼，心神瞬間交流，才確認一首曲子的收尾。

　　個人認為，該場傳統樂曲的演奏很可惜沒有找吟唱者來唱，中亞擦弦樂器演奏主旋律時多為級進、一個八度之內的音域，應是歌樂的特色；雖然台下觀眾聽不懂異國語言，但若台上的演奏家可以不用言語、僅用音樂就將情感傳遞給聽眾，找到相當實力的歌者來唱，就算聽不懂語言，還是可以將情感傳遞給聽眾不是嗎？有時歌唱的渲染力甚至大過器樂演奏呢！

關於現代作品的首演

　　除了中亞傳統樂曲，其他三首皆是世界首演的曲子。雖然分由不同作曲家與演奏家集體所作，但聽來卻有一種共通之感－對於「異質樂器結合」的嘗試：《蹤跡》有明確的段落和提示，讓樂器以管樂＋管樂、彈撥＋彈撥，以及點狀、線狀的旋律結合，使樂器的物理音色經過排列後可有不同音響效果；《扁舟二》則是偏重在作曲者的想像，樂曲以長、氣音建構成，無論是何種樂器，偏向以氣音吹奏、摩擦琴絃演奏，不求和聲、但求相異樂器得出的相同聲響。

　　另外一個看來是節目主打重點的「協同作曲法」，曲子由演奏家經過先前溝通的共識與一週的工作坊後創作而成。節目單上註明此法由指揮（也是作曲家）Artyom Kim獨創，作品聽來有明確結構、設定的速度，呈現時，他選定以柳琴為最先開始的樂器，而最後在台上的成品，應該也是打破一般人對這些樂器演奏的既定印象；至少對我個人而言是。該法是由各演奏家針對自己的樂器演出「樂器的自畫像」，因此，並不是各樂器傳統上的演奏法，從台下來看，演奏家時而撥動琴弦後吟揉、時而摩擦樂器，看來都很清楚自己要做什麼，但對台下的觀眾就倍感距離了。我想，就新點子樂展策展的目標，這是個相當新穎、跳脫舊思維的展演沒錯，但「協同作曲」能否受其他作曲家群起的響應、認同，亦相當重要，否則就僅是曇花一現、紀錄剎那的永恆了。

　　在以西洋音樂發展史為主的思維模式下，學院嚴謹的訓練是必要的，作曲家的意識也一直相當強烈，遇到演奏即創作者的傳統音樂，往往會覺得特別有新意，然而傳統的創作常是生活的一部份，音樂形成是非常自然的，與專業作曲背景條件相差頗大。這幾年聆聽現代樂的發表可以感覺到作品逐漸跳脫「作曲家命令演奏家－演奏家命令樂器」的慣例，演奏家有越來越大創作或二度詮釋的空間，然而在傳統和現代的創作上看來仍大相逕庭，各自都很好，但要「在一起」，還是需要一陣磨合期的。

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[註1] 此次音樂會使用並含括於首演樂曲的13種樂器：亞美尼亞雙簧管(duduk)、亞塞拜然塔爾琴(tar)、亞塞拜然卡曼沙琴(kamancha)、土耳其提琴(kemençe)、烏茲別克揚琴(chang)、長笛、薩克斯風、擊樂、豎琴、柳葉琴（與中阮）、古箏、大提琴、低音提琴。