音樂，作為一種生活態度

節目名稱：《遶境共聲》 ( The Pilgrimage) 場次： 2017.10.01 地點：台北　實驗劇場 　　今年 「 新點子樂展 」 的最後一場演出 《 遶境共聲 》 ，採用臺灣傳統音樂、時空環境為創編素材、譜寫新作品，更以音樂劇場的形式展演，加上新媒體裝置、燈光與空間設計，增加了音樂的 「 可看性 」，觀眾除了在明滅之間豎起耳朵，辨別並尋找聲音來源，亦可見場域中燈光顏色變換、機械擺動也是作品一部分 。該檔製作跨音樂、戲劇、劇場設計、詩詞文學等多項領域，然最大重點仍為音樂本體，因此本評著重於音樂的規劃而論。 聲音在劇場裡卻更精緻細膩 　　在劇場裡容易將焦點聚於人身上，然而，人僅為聲音的載體，真正的主角還是聲音，策展單位在這點規劃的定位十分清楚，不因音樂到了劇場而失焦至演出者的一舉一動或走位。以耳朵找主角，如此在劇場聽見主角的方式較為少見，卻也更突顯策展人的巧思和演出者的技巧。 　　 《 遶境共聲 》 以聲樂 、 擊樂為主要的音樂表現方式，利用人聲的彈性、多變，唱唸出語言的韻律，也模仿狀聲詞，如作品 《 鑼鼓肖像 》 ，現場雖有技藝精湛的擊樂演奏家，卻反以人聲模擬鑼 、 鈸或鼓的聲響，發出 「 起 」、「 抬 」、「 咚 」等敲擊聲，平衡整體音量也貼近作曲者希望呈現的音高 ；緊接於後的 《 漂流 的零 Ⅰ》 ，捨棄 播放田野錄音， 更是由歌者發出令人讚嘆的自然現象與蟲鳴鳥叫 。高亢的鳥嘯 、 低沉的蛙鳴，模仿地唯妙唯肖，難以想像聽來自然卻是經過作曲安排，也不得不佩服聲樂家不但有迷人嗓音，更有這般特異功能，令人驚嘆人聲的音色處理如此多變。 　　在劇場中的演奏、唱是該擔心音響效果會不如在音樂廳，但經過電子擴音調和，反而別有一番聲音的既視感；也利用實驗劇場擺設的彈性，將擊樂與聲音機械裝置設於觀眾前方階梯狀的舞台（原劇場之觀眾座椅區）、平台鋼琴位於觀眾席後方，聲樂家的演唱也不侷限於觀眾前方的舞台，跟著劇情換幕時而在側邊、時而從後方進場，甚或穿梭於觀眾之間，營造環繞音響的效果。 代表臺灣也啟發省思的現代樂創作 　　一聲差半音就完全的音程，在第一幕就以不安定的開端預告戰事，同一音程也在第二幕、第四幕出現，作為情感轉折的暗號。可以聽出，在和聲、樂曲編排上，整齣節目的表現形式仍是相當以現代

節目名稱：來自中亞的新語 (In the Eyes of the Nomads) 時間： 2017.9.24 地點：台北　國家演奏廳 　　《 來自中亞的新語 》 是兩廳院 2017 「 新點子樂展 」 的其中一場，邀請荷蘭 「 輿圖跨民族樂團 (Atlas Ensemble) 」 和臺灣中西樂器獨奏家共同演出，帶來 6 首中亞民族樂曲 ，和 3 首為中亞 、 中西樂器所作的首演曲。 [註1] 關於傳統曲目 　　因著地域與語言的隔閡，台下對這場演出是相當好奇與陌生的，好在經過主持人的樂曲解說後，將神秘的面紗揭開一半，讓聽眾可以清楚知道接下來會有幾首曲子、聽到什麼類型的音樂，否則單憑一句 「 中亞民族音樂選曲 」 實難以摸索。 　　演奏家們一坐下，似乎不用調整情緒也不待觀眾回神就開始演奏，這對習慣音樂會模式的觀眾來說或許有些突兀，但在傳統音樂的表演（至少在臺灣傳統音樂）這樣其實很正常，看來此現象並不分國界。 　　 中亞的傳統音樂演奏似乎更為注重演奏時的神情 ，除了演奏者自己，還有彼此的互動。可以看見塔爾琴演奏家 Elchin Nagijev 專注演奏時面部漲紅，完全陶醉於自己的世界，觀眾跟著聽來像是木卡姆的樂曲彷若到了中亞一帶；兩件擦弦樂器合作像是伊斯蘭式吟唱的組合中， 演奏土耳其提琴的 Neva Özgen 會和演奏卡曼莎琴的 Elshan Mansurov 眉來眼去。 　　被抓來當伴奏的大提琴演奏著替代 duduk dham 的單音長鳴，以弦樂取代管樂的音色聽來並不違和，只見大提琴演奏者一開始很享受亞美尼亞單簧管的旋律，演奏一陣子後臉上表情卻又似乎納悶何時要結束？演奏者的面前皆無擺放譜架，當彼此都對上眼，心神瞬間交流，才確認一首曲子的收尾。 　　個人認為，該場傳統樂曲的演奏很可惜沒有找吟唱者來唱，中亞擦弦樂器演奏主旋律時多為級進、一個八度之內的音域，應是歌樂的特色；雖然台下觀眾聽不懂異國語言，但若台上的演奏家可以不用言語、僅用音樂就將情感傳遞給聽眾，找到相當實力的歌者來唱，就算聽不懂語言，還是可以將情感傳遞給聽眾不是嗎？有時歌唱的渲染力甚至大過器樂演奏呢！ 關於現代作品的首演 　　除了中亞傳統樂曲，其他三首皆是世界首演的曲子。雖然分由不同作曲家與演奏家集體所作

節目名稱：「 2017 戀戀簪纓 」 音樂會 演出單位：台北簪纓國樂團　 2017/8/13 台北 國家音樂廳 「2017 戀戀簪纓」音樂會節目單以電子檔形式供民眾下載，圖為宣傳酷卡 　　台北簪纓國樂團（以下簡稱「簪纓」）在音樂總監兼指揮黃光佑的帶領下，已辦了數年的「戀戀簪纓」樂團音樂會。雖然國樂團的發展尚未進入百年、曲目量並未如西洋交響樂團多，但全台各地在國樂界前輩的努力推廣下已成立許多公、私立樂團，現在看國樂的音樂會已經是稀鬆平常的事了；也在這樣的情形下，許多立案的新興國樂團常委託新作、拚首演，希望能獲得更多的注目，同時也讓台下滿座。此次簪纓演奏的曲目皆非首演，卻也幾乎是近十年內的新作，樂曲規模需一定編制與程度方得上演，看來是精選後決定，且今年的排場雖無以往龐大，陣容卻看來、也聽來特別精采、別緻。 特邀演奏家與樂團配合相得益彰 　　黃君指揮特色鮮明，音量、樂句的層次處理相當細膩，並十分擅長展現樂曲的張力，旋律在柔、弱處聽來非常輕巧，而進到激烈、歡快段又帶出雄厚的氣勢。該團的固定演出班底實力堅強，尤其以打擊的表現甚為突出，渾厚的低音聲部將背景襯托得當；唯此次編制低音易將配置於旁的阮咸蓋過，好在整體而言瑕不掩瑜。 　　除了樂團本身功底紮實，此次邀請的合作演奏家技術皆相當純熟，演奏的曲目不但考驗獨奏者的技巧，樂團的角色也相當吃重，兩者配合無間的默契看得出排練的用心，表現相當撐得起場面。箏樂家葉娟礽的演奏風格溫柔而典雅，詮釋《如是》的慢板格外動人心弦；其臨場經驗豐富，演出當中察覺擴音麥克風滑落，亦能利用空檔調整後再無縫接軌回下段旋律；青年二胡演奏家章海玥的技巧更是獨具，《弦歌吟》慢板的運弓圓滑柔細，情感相當投入，炫技段的快速音群顆粒堅定清楚，本已是壓軸的曲子後又再加演一首同一作曲家的協奏曲《楚頌》，再次展現精湛的功夫。 坐得住的大曲子 　　動輒十、二十分鐘以上的曲子，對傳統國樂來說並不常見。尤其當欣賞的人口是一般大眾而非音樂專業人士，樂曲長度若長對台上可能是家常便飯，對台下就不一定好消化了。 　　此次簪纓的開場選用羅麥朔《胤禎美人圖》，以大鑼輕輕敲響化為四個樂章的十二幅畫作，後接王丹紅《如是》，二曲結構都很分明、有清楚的段落，主題也皆縈繞於中國古代女性，作曲家善用國樂特有的滑、揉，表現女